Что такое академизм и академическое искусство в рисунке?
Оглавление
Академическое искусство, или академизм – это стиль живописи и скульптуры, сформированный под влиянием европейских академий искусств. Наиболее значимой из них была Французская академия изящных искусств, пытавшаяся добиться в искусстве гармоничного синтеза неоклассицизма и романтизма.
Ярче всего эстетические принципы школы отражены в живописи Адольфа Уильяма Бугро, Томаса Кутюра и Ганса Макарта. Имея в виду деятельность Французской академии, стиль часто называют не только «академизмом», но и «салонной живописью», «эклектизмом», а также иногда «историцизмом» и «синкретизмом».
Молодые художники проходили строгий и требовательный четырехлетний курс обучения. Во Франции только студенты, сдавшие экзамены и имеющие рекомендательное письмо от уважаемого профессора искусств, допускались до обучения в Школе изящных искусств при Академии. Работа с обнаженной натурой была основой обучения и, называясь собственно «академией», делилась на четко определенные блоки, призванные сформировать последовательный процесс обучения академическому искусству.
Прежде всего, студенты копировали рисунки и оттиски с изображениями знаменитых скульптур, таким образом знакомясь с принципами работы с линией и светотенью. Копирование считалось важнейшим шагом в обучении: копируя работы старых мастеров, студенты могли научиться повторять их методы и приемы. Для того, чтобы перейти на следующий – и каждый дальнейший – уровень обучения, студенты презентовали свои рисунки для оценки.
Если их работа была одобрена, они переходили к рисованию с гипсовых копий классических скульптур. Толькопослеэтогостудентыдопускалиськработесживойнатурой. Что интересно, живопись как таковая не преподавалась в Школе изящных искусств до 1863 года.
Французское академическое искусство.
Считалось, что прежде чем заниматься живописью, студент должен в совершенстве овладеть рисунком – и только после этого он мог поступить в студию к одному из академических художников, чтобы учиться у него собственно живописи. На протяжении всего этого времени, соревнования и выставки с заданной темой и определенным временем, отведенным на выполнение работы, были мерилом успеха учащихся.
Самым знаменитым художественным конкурсом для студентов была Римская премия. Лауреат премии получал стипендию на обучение в школе Французской академии, расположенной на вилле Медичи в Риме, длительностью до пяти лет.
Чтобы принимать участие в конкурсе, художник должен был быть французом по национальности, мужчиной, младше тридцати и неженатым. Он должен был соответствовать критериям отбора Школы и иметь поддержку известного преподавателя искусств. Соревнование было очень напряженным и включало несколько стадий, на последней из которых десять претендентов были изолированы в студиях на 72 дня для создания главного исторического полотна. Лауреат Римской премии мог быть уверен в своей будущей карьере.
Успешное участие в Салоне считалось признанным знаком качества, поэтому художники не жалели сил на то чтобы убедить комитет повесить их картину «на линии» – на уровне глаз – и жаловались после, если картины были вывешены слишком высоко. Наивысшим профессиональным достижением для художника было избрание членом Французской Академии и право называться «академиком».
Первыми критиками академического искусства были реалисты, недовольные академическим идеализмом. Согласно Густаву Курбе, академизм слишком увлекался возвышенными клише, мифологическими сюжетами и легендарными мотивами, игнорируя современные социальные проблемы.
Реалисты также критиковали «ложную поверхность» полотен: изображенные объекты всегда выглядели гладкими и идеальными, без намека на реальную текстуру. Реалист ТеодюльРибо пытался преодолеть эту тенденцию, экспериментируя с грубыми текстурами, придающими полотну как бы незавершенный вид.
Импрессионизм в академическом рисунке.
Импрессионисты, которые настаивали на том, чтобы писать на свежем воздухе, быстро фиксируя именно то, что видит глаз здесь и сейчас, критиковали идеально прилизанную завершенность академической живописи. Академики начинали свои работы с карандашных скетчей и масляных этюдов, но в конце концов придавали своим работам такой лоск и глянец, который не мог не казаться импрессионистам лживым.
После этюдов и эскизов, академисты проводили длительное время, чтобы произвести «законченную» работу, соответствующую стилистическим стандартам, и пытались прописать каждую деталь, не оставить ничего грубого и незавершенного. В работе с перспективой академисты всегда полагались на знания, а не на то, что можно увидеть своими глазами – и это так же стало предметом критики импрессионистов, отказавшихся от слепой преданности «механическим» приемам живописи и рисунка.
